Luis Rosales por Francisco Arias Solís

franciscoarias - 25 de mayo de 2009 - 18:14

LUIS ROSALES

(1910-1992)

“La Creación sigue abierta paso a paso

y tiene en ti un trasplante de alegría ,

la mano eres de Dios, Pablo Picasso,

que hace el mundo de nuevo cada día.”

Luis Rosales.

LA VOZ DE LA MEMORIA DEL VIVIR

Luis Rosales, poeta de la generación del 36, sólo vive desviviéndose. Lentamente se desvive Rosales en su poesía. Desde su juventud, era ya para los amigos “el poeta Rosales”. En el se adivinaba la realización de la poesía como forma de vida. La poesía formaba parte de su realidad. Es decir, la poesía era su condición, su ambiente, su morada. Probablemente por esto Rosales no ha abandonado nunca la poesía, ni la ha sacrificado a otra cosa.

Luis Rosales nace en Granada el 31 de mayo de 1910. En su ciudad natal cursa los estudios primarios y secundarios. Se licencia y doctora en la Facultad de Filosofía y Letras de Madrid, ciudad donde residió y donde murió el 24 de octubre de 1992.

Fue secretario de la revista Escorial. Estuvo también unido al grupo de José Bergamín, en torno a la revista Cruz y Raya. Fue durante años director de la revista del Instituto de Cultura Hispánica Cuadernos Hispanoamericanos y de la revista Nueva Estafeta. En 1962 es elegido miembro de la Real Academia Española. Por su obra Rimas (1951), obtuvo el Premio Nacional de Poesía, por su obra Lírica española (1973), obtuvo ex aequo con Antonio Gallego Morell, el Premio Miguel de Unamuno y por su obra Un rostro en cada ola (984), el Premio Ciudad de Melilla. También ha obtenido el Premio Mariano de Cavia en 1962 y el Premio de la Crítica en 1970. Finalmente, ha sido galardonado con el Premio Miguel de Cervantes en 1982.

Rosales empezó en Abril (1935), su primer libro, escribiendo poesía amorosa: como Garcilaso, como Lope, como Espronceda, como Bécquer, como Salinas; pero luego llegó –como Antonio Machado- a escribir “poesía enamorada”, que no es lo mismo y es más sutil. Algunos estudiosos recuerdan con relación a Abril, al Jorge Guillén de Cántico. Sonetos, décimas, romances octosílabos mostraban su preocupación formal, la búsqueda de un clasicismo del verso y la estrofa, en los que igualmente se instalaba su compañero de la generación del 36, Miguel Hernández. Todos los comentaristas de Abril destacan la presencia religiosa de este primer libro del joven poeta granadino. Religiosidad que también aparece en los poemas juveniles de Miguel Hernández, pero que estaba casi por completo ausente –con la excepción de Gerardo Diego- en los poetas del 27. A este libro le siguió, después de la guerra civil, Retablo sacro del Nacimiento del Señor (1940), de impecable corrección formal y del que publicó en 1964, una segunda versión aumentada.

Pero, quizá sea La casa encendida la obra más importante de Rosales. Se publicó por primera vez en 1949, una nueva versión algo más ampliada, apareció en 1967. La casa encendida es un poema largo, de verso libre, en el que se aproxima a los giros realistas y, a la vez, al superrealismo aumentando su emotividad anterior. Rimas (1951) es más conceptual e intimista. El contenido del corazón (1969) es un magnífico libro de poemas en prosa. Ha escrito también un estudio sobre Cervantes y la libertad (1960), Antología de la poesía heroica española en colaboración con Luis Felipe Vivanco, Primavera y flor de la literatura hispánica (1967), antología en colaboración con Dámaso Alonso y Eulalia Galvarriato. Publicó además: Canciones (1973), Como el corte hace sangre (1974), Diario de una resurrección (1978), Un puñado de pájaros (1979), Un rostro en cada ola (1981) y Oigo el silencio universal del miedo (1984).

Fue en los poetas “puros”, desde Juan Ramón Jiménez a Guillén y a Aleixandre, donde ciertamente tuvo su aprendizaje y devoción Luis Rosales. El buscaba la palabra limpia, la rima absolutamente limpia, la expresión ágil para llegar con toda pureza a la manifestación más clara, más evidente de las más universales certezas del corazón.

“Quiero –escribe Rosales- decir una cosa tan sólo, que creo en la poesía, y lo diré, y lo seguiré diciendo”. Y uno llega al convencimiento de que sin la poesía, Rosales no hubiera podido vivir. “Si es que algo queda –continúa escribiendo Rosales-, en la ceniza de mis palabras será también poesía. Vivir es ver volver. El tiempo pasa; las cosas que quisimos son caedizas, fugitivas se van. Y esto es morir: borrarse de sí mismo”.

Su verso y su prosa son, a sabiendas una viva memoria de lo verdadero, para mantener, como se pueda, “esa memoria del vivir, que es la unidad de nuestra vida personal, la poesía, y solamente la poesía”.

Francisco Arias Solis

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Manuel Andújar por Francisco Arias Solís

franciscoarias - 24 de mayo de 2009 - 20:33

MANUEL ANDUJAR

(1913-1994)

Dormís,

rendidas las pupilas

por sudarios de bancales

y las desiertas esquinas.

En vez de cirios, llamas.

Un gemido seco

impregna de humedad

las hostiles moradas

Geografía española de la muerte.”

Manuel Andújar.

LA VOZ DE UN HONDO PENAR

“Penar –decía Andujar-, es una palabra sureña, rica y terruñera, que no dice del mismo modo ni con inflexión pareja en Andalucía que en el resto de España. Penar es un poco cante jondo”.

Manuel Andujar Muñoz nació en La Carolina, provincia de Jaén, el 4 de enero de 1913. Antes de la guerra residió alternativamente en Linares, Málaga, Madrid, Lérida, Barcelona. En Málaga cursó la carrera de comercio y en Madrid terminó sus estudios de perito mercantil. Ejerció el periodismo y funciones administrativas. En enero de 1939 pasa a Francia, donde fue internado en el campo de concentración de Saint-Cyprien; el mismo año embarcó hacia México en la expedición del Sinaia. "De Sète a Veracruz-nos cuenta Andújar-, el Sinaia, un viejo barco matalón transportó -avanzado mayo, al 13 de junio de 1939- a más de 1.600 republicanos españoles. Procedentes en su gran mayoría, de los campos de concentración franceses. Entre ellos, nutrido y lucido haz de intelectuales, escritores y artistas". Andújar vivió todo el exilio en México hasta su regreso a España en 1967, excepto una estancia en Santiago de Chile de 1956 a 1957. Ha sido librero, corresponsal, agente de editoriales (estuvo más de once años en la famosa editorial mexicana Fondo de Cultura Económica), pero destaca por su importante obra literaria como poeta y narrador. Fundó la revista Las Españas, con José Ramón Arana, una de las más importantes revistas del exilio. A su regreso a España, compagina su labor de escritor con su trabajo en Alianza Editorial. Manuel Andujar muere en una residencia de ancianos madrileña, justamente el 14 de abril de 1994.

Andujar ha abordado prácticamente todos los géneros literarios: poesía, teatro, crónica, ensayo, narrativa breve, novela. Es uno de nuestros más exigentes e importantes novelistas del siglo XX.

Toda la producción narrativa de Andujar se encuadra en un vasto ciclo titulado “Lares y penares” en el que con absoluta independencia temática y clara evolución formal, se realiza una interpretación novelada de la España del siglo XX. Desde su más recientes obras, tentadas por nuevos moldes expresivos y por una progresiva concepción simbólica del relato, la serie de Manuel Andujar es una indignación profundamente ética del comportamiento humano del pueblo español que ha configurado su trayectoria histórica. De esta manera lo particular y lo social se compenetran de forma indisoluble al servicio de un mensaje profundamente humano y social.

“Lares y penares” se inicia con Cristal herido (1945), primera muestra novelesca de Andujar, que a pesar de ser un primer libro nos presenta a un escritor de seguro instinto narrativo. Con ella da paso Andujar a una exploración organizada de la España de preguerra que se realiza en la trilogía Vísperas: Llanura (1947), El vencido (1949) y El destino de Lázaro (1959).

Llanura es una novela que, sin deseo de buscarle filiaciones literarias, comparte la estructura del drama rural con la de novela de asunto caciquil. El vencido nos traslada a la zona minera jienense donde Miguel consigue pasar de hijo de un modesto obrero a rico empresario, pero ello no le salvará de su irremediable soledad, pues el triunfo económico no conlleva satisfacción espiritual. El destino de Lázaro se desarrolla en un recinto portuario, y en la misma, la tesis social o la censura de las anteriores, cede el paso a una historia más particularizada en la que, por otra parte, un aliento de esperanza ha empezado a infiltrarse.

“Lares y penares” posee otra novela mayor, Historias de una historia (1973), individualmente su libro más importante. Esta novela está situada en la guerra –contada desde el lado republicano-. Resalta en el libro ese aire de verdad que posee toda literatura auténtica, sobre todo porque la obra no obedece a unos esquemas previos ni a ninguna clase de maniqueísmo, sino a unas motivaciones estrictamente humanas. El ciclo novelístico de Andujar se completa con La voz y la sangre (1984), Cita de fantasmas (1984) y Mágica fecha (1989). En 1992 vio la luz su novela Un caballero de barba azafranada , cuya temática, centrada en la historia de dos mujeres, marca una distancia con respecto a su anterior producción.

Andujar publica su primera colección de poesía , La propia imagen, en 1961, en México. El siguiente libro de poesía, Campana y cadena, se edita en España en 1965. Otras obras poéticas son: Fechas de un retorno (1979) y Sentires y querencias (1984). Entre sus ensayos más relevantes se cuentan La literatura catalana en el destierro, Andalucía e Hispanoamérica: Crisol de mestizajes (1982) y Signos de admiración (1986). Entre sus obras teatrales destacan: El primer juicio final y El sueño robado, publicadas ambas en 1962. Y entre los cuentos y crónicas-relatos podemos citar: Los lugares vacíos, La franja luminosa, Secretos augurios, Partiendo de la angustia y Saint Cyprien , plage, campo de concentración (1942), sobre su experiencia en este campo de concentración.

La literatura de Andujar es fundamentalmente interpretativa. En cualquier caso, y en toda su obra, resulta de vital importancia el talante ético del autor, que curiosamente, no le lleva a ninguna clase de moralización. Tras un tono crítico, tras una palabra cruda, se ocultan siempre un gran dolor, un hondo penar y un gran amor. Esto es muy patente en una serie de poemas dedicados a España: a la España que el desterrado contempló –entrevió- en su realidad –no en su sueño de desterrado- durante un breve viaje: “Con recatado amor / y pasión requemada / adobáis la espera / mientras / lejanos árboles de ocres y cenizas, / sempiternas caras cenceñas, / roídas murallas amarillas y flamantes máquinas, / la madeja devanan / de España”.

Francisco Arias Solis

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Amado Nervo por Francisco Arias Solis

franciscoarias - 24 de mayo de 2009 - 08:38

AMADO NERVO

(1870-1919)

“Más que las rosas, amo los lirios,

y las gardenias inmaculadas;

más que los claveles de sangre y fuego,

la sensitiva mi vista encanta...”.

Amado Servo.

LA VOZ DEL POETA SENSITIVO

Para llegar a la bondad extrema y la dejación que lo hicieron tan grato a todos los ojos, trataba de convencerse de que sólo era pensamiento, de que no existía: “Dios sí existe / nosotros somos lo que no existimos”.

Su espíritu de renunciación lo perdonaba todo. El odio no se alojaba en su pecho. Una vez en su propia casa, le robaron algún dinero. La cantidad era considerable. Nervo sospechó del ladrón, y se avistó con un jefe de policía para que rogara al miserable la restitución , no de los dineros, sino de la cartera vacía, recuerdo de una mujer a la que había amado mucho. Por ese camino de la bondad y la sencillez llegó al éxito y fue tremendamente popular: “Amé, fui amado, el sol acarició mi faz. / ¡Vida, nada me debes! ¡Vida, estamos en paz!”

Amado Nervo, por encima de todo es un fiel representante del poema de la belle époque. Bueno, sentimental, inconstante. Enamorado eterno de la mujer, melancólico y con porte parisino. Reunió todas las cualidades para obtener un gran éxito, tanto en lo que se refiere a su persona como a su obra, ambas muy del gusto de la gente refinada de aquellos tiempos pasados. En el último año de su vida, en una conferencia pronunciada en Buenos Aires dirige sus palabras a las mujeres, “yo empecé a quereros a vosotras antes que vosotras me conocierais a mí”. A su muerte, en Montevideo, hubo duelo nacional y el gobierno de Uruguay lo transportó a México en uno de sus cruceros, entrando en Veracruz escoltado por otros cuatro que enviaron la Argentina y Cuba. Fue enterrado en la Rotonda de Hombres Ilustres. La popularidad de Nervo fue extraordinaria, y su poesía fue, sin duda, una de las más representativas del modernismo.

Juan Crisóstomo Ruiz de Nervo Ordaz nace en Tepic, ciudad mexicana, el 27 de agosto de 1870. Estudia Derecho y Teología, Abandonó la carrera eclesiástica para abrazar el periodismo. Realiza una activa labor poética en su patria, en los albores del silgo XX, perteneciendo a los grupos modernistas de la Revista Azul. Posteriormente vive en París, donde ejerce como periodista, y desde allí marcha a Italia. Es nombrado profesor de Literatura en la Escuela Nacional de México.

Como diplomático reside en Madrid (1908-1918). Sus fechas más señaladas, las vive en la capital de España, donde traba amistad con Rubén Darío, y con la inspiradora de su famoso poema La amada inmóvil, Ana Cecilia Daillez. Un día frío entierra a su bien amada, principal musa poética, la que le desespera con su quietud en el recuerdo por más que intenta resucitarla en sus versos.

Es nombrado embajador plenipotenciario en Buenos Aires y Montevideo. Amado Nervo muere en Montevideo el 14 de mayo de 1919.

“Busco –llegó a confesar- el tono discreto, el matiz medio, el colorido que no detona”. Su poesía, lírica, es delicada y elegante, con acento religioso y honda preocupación por los problemas de la existencia humana, el dolor y la muerte. Toda su obra, aun con sus juegos y sus ironías, está influida por la imitación de Kempis, que pareció ser su libro de cabecera. Entre sus numerosos libros poéticos destacan: Perlas negras (1898), Místicas (1898), Poemas (1901), Lira heroica (1902) El éxodo y las flores del camino (1902) Los jardines interiores (1905), En voz baja (1909), Serenidad (1914), Elevación (1917), Plenitud (1918) y El estanque de los lotos (1919); otras dos obras, La amada inmóvil y El arquero divino aparecieron póstumamente. Escribió también algunas novelas: El bachiller (1895), Pascual Aguilera (1896), El domador de almas (1899), El sexto sentido (1918) y Amnesia (1918).

Rubén Darío decía del poeta mexicano: “Sensitivo, verleniano, virtuoso en la ejecución del verso, y, sobre todo, sincero y de conciencia, que en esto, como en todo, es lo principal; tiene su triunfo seguro”.

Amado Nervo, poeta radical, ha resistido y resiste los embates de los modos y modas literarias. Mientras haya personas sensitivas amantes de la claridad, de la música y de la hermosa palabra, la poesía del gran bardo mexicano tendrá un lugar de honor en el corazón de las gentes que se duelen, aman y esperan. Y como dijo nuestro poeta: “El amor es un lázaro perenne / cuando apenas ha muerto, resucita”.

Francisco Arias Solis

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Foro Libre: Homenaje a Antonio Murciano

franciscoarias - 21 de mayo de 2009 - 15:23

FORO LIBRE

ASOCIACION CULTURAL, ARTISTICA Y LITERARIA (Fundada en 1992)

Francisco Arias Solís - Presidente ~ Plaza San Severiano, 2 ~ 11007 - CADIZ

email: pazylibertad@arrakis.es

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“Soy uno más que cree, que espera y que ama
y que defiende a todo el que reclama
su pedazo de pan y de justicia.”
Antonio Murciano.

HOMENAJE DE FORO LIBRE A ANTONIO MURCIANO

El próximo lunes, día 25, a las 20.30 horas, en la cafetería-restaurante El Cantábrico (Avda. Cayetano del Toro, 21 - Cádiz), la Asociación Cultural, Artística y Literaria FORO LIBRE celebrará un encuentro literario sobre la vida y la obra del poeta gaditano Antonio Murciano, con motivo del 80º aniversario de su nacimiento.

Andaluz, nacido en un pueblo de poetas, iniciador de la revista Alcaraván cuando sólo contaba veinte años, ha llevado a los versos la “sencilla historia de su hombría”. Su amplia bibliografía le convierte en uno de los poetas más representativos de la Generación del 50. El primer libro está dedicado a la Navidad y es de 1952. Antonio Murciano es el poeta contemporáneo de la joven generación con mayor producción sobre este tema: Nuevo cuaderno de Navidad y Nochebuena en Arcos. También es cultivador de la poesía flamenca; Perfil del cante consigue el Premio Nacional de la Poesía Flamenca en 1966.

La poesía fue su amiga desde su niñez arcense. Estudia el Bachiller en el Colegio Salesiano de Utrera y, posteriormente, Comercio en Jerez y Derecho en la Universidad de Sevilla. Profesor Mercantil y Abogado en ejercicio, Antonio reside desde siempre en Arcos. En otoño de 1948 gana la Flor Natural en los Primeros Juegos Florales de Arcos. En septiembre de 1953 gana, junto con su hermano Carlos, el Premio de la Vendimia de Jerez de la Frontera con Los ángeles del vino de Jerez. En 1955 se publica el libro de Antonio El Pueblo, que está dedicado a su hermano Carlos

En Los días íntimos vierte la experiencia en la ciudad como lugar de su no ser y el reencuentro con Arcos, donde se recobra de nuevo: “... pueblo, / norte de un sur y para siempre mío”. Canción mía, finalista del Premio Nacional de Literatura de 1965, comprende un conjunto de poemas en los que canta a la esposa, al hijo en los que vuelve a hablarnos de sí mismo, y Canciones con fondo de esperanza nos dice cuál es el hombre nuevo que puede levantar el mundo. Fe de vida significa la mirada a los otros y al tiempo presente, que sólo puede resistirse desde la esperanza. “porque hombre es esperanza, busco, encuentro / este verso de paz contra la guerra / que el hombre libra, corazón adentro”. Poesía flamenca nos ofrece una variada muestra de sus poemas dedicados al mundo del flamenco y de sus coplas. Citaremos también dos obras muy conocidas: Campo Sur y Concierto en mí. Conjuntamente con su hermano Carlos ha publicado varias obras: Los ángeles del vino de Jerez; Antología de poetas de Arcos, Corpus Crhisti, Plaza de la Memoria y Arcos entre la realidad y el sueño.

“Para mí -nos decía Antonio- poesía equivale a conciencia, a razón de ser. La razón de mi vida es mi canto”. Y añadía: “El amor es la clave del mundo. Sin amor no habría poesía”.

Francisco Arias Solís

No hagamos las paces con la guerra, ni tampoco levantemos guerras con la paz.

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Gracias.

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Juan Ramón Jiménez por Francisco Arias Solís

franciscoarias - 20 de mayo de 2009 - 06:16

JUAN RAMON JIMÉNEZ

(1881-1958)

“Eres eterno, amor,

como la primavera.”

Juan Ramón Jiménez.

LA VOZ ERRANTE DE LA LIBERTAD

“Dadme siempre una mujer –escribía Juan Ramón-, una fuente, una música lejana, rosas, la luna –belleza, cristal, ritmo, esencia, plata-, y os prometo una eternidad de cosas bellas”. De la capacidad de vivir y crear esta belleza alternativa nace el orgullo, que ya nunca le abandonará, de ser poeta.

Nace Juan Ramón Jiménez Mantecón el 23 de diciembre de 1881, al filo de la medianoche, en Moguer (Huelva). El poeta no tarda de impregnarse de andalucismo de una Andalucía universal, real y mítica. “Te llevaré Moguer –decía Juan Ramón-, a todos los países y a todos los tiempos”.

Juan Ramón estudia bachillerato en el colegio que los jesuitas tenían en El Puerto de Santa María, donde tiene como compañeros de curso a Fernando Villalón y a Pedro Muñoz Seca. En 1896 aprueba el Bachillerato Superior en el Instituto de Jerez. Desde su infancia mostró un gran entusiasmo por las artes y una notable predilección por la pintura. Su mayor travesura en el colegio de los jesuitas fue pasarle a su compañero Fernando Villalón un dibujo de una tiple italiana, en la clase de catecismo.

En 1900 llegó a Madrid y en seguida contó con las amistades más prestigiosas en el mundo de las letras. De esta primera estancia en Madrid datan sus primeros libros Ninfeas y Almas de violetas. En 1903 apareció Arias tristes, del que Antonio Machado dijo: “¡Hermoso libro de juventud en sueños!... Juan Ramón Jiménez sigue el camino de sí mismo, que es el bueno”. “Veo en usted –escribía Rubén Darío- un poeta verdadero que tiene el corazón sano. Ve alto, vuela alto, vive en un sueño de hermosuras. “

En 1905 volvió a Moguer, en donde permaneció hasta 1912. Vive Juan Ramón una Andalucía inefable en la que todo se tiene en cuenta para conseguir una felicidad paradisíaca y se oyen frases como la de ese mozalbete, que define el gozo de piar los pajarillos del atardecer, diciendo: “Están contentos porque el resto de la noche es de ellos”. A esta etapa corresponden sus libros Las hojas verdes, Baladas de primavera, Elegías, La soledad sonora, Poemas mágicos y dolientes, Melancolía y Laberinto. Hay que señalar en estos años la iniciación de su obra Platero y yo.

A finales de 1912 vuelve a Madrid. Se aloja en la Residencia de Estudiantes y allí conoce a Zenobia Camprubí, con la que, en 1916, en Nueva York contraerá matrimonio. A partir de esa fecha y con la publicación de Diario de un poeta recién casado se inicia un cambio fundamental en su obra poética.

La poesía de esta época (Eternidades, Piedra y Cielo, Sonetos espirituales), supone una nueva interpretación de su sensibilidad. A esta etapa pertenecen sus famosos poemas: “¡Inteligencia dame / el nombre exacto de las cosas!” y “¡No le toques ya más, / que así es la rosa!”.

En 1917 publicó Poesías escogidas y en 1922 la Segunda antología poética. Juan Ramón implacable con su esteticismo, concentra toda su atención de lo bello. Eleva la poesía a religión, viviendo exclusivamente por y para ella. Vida humana y poética a la par, una sola las dos. Para él poesía no es cosa de género es pura esencia. Y donde aliente ella está el poeta entero.

En 1935 Juan Ramón publica un manifiesto en apoyo de Antonio Espina, preso en la cárcel de Bilbao, por haber escrito un artículo contra Hitler. Al estallar la guerra civil española, Juan Ramón y su mujer salen de España y tras viajar a distintas ciudades y países americanos, en 1951 fijó definitivamente su residencia en Puerto Rico. En 1956 le fue concedido el Premio Nobel de Literatura, que recibió tres días antes de morir Zenobia. Juan Ramón Jiménez falleció en San Juan de Puerto Rico el 29 de mayo de 1958.

La obra poética de Juan Ramón Jiménez –unida, como en Mallarmé, a su ejemplaridad personal –señaló el momento inicial de la nueva evolución lírica en España.

A partir del Diario, su poesía se hizo cada vez más esencial, más pura, más intensa en su contenido (Poesía, Belleza, La estación total...). Toda su obra es una afirmación por la libertad. Y es que, como dijo Juan Ramón: “Yo he sido, soy y quiero ser hasta mi final, un hombre libre”.

Francisco Arias Solis

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Melchor Fernández Almagro por Francisco Arias Solís

franciscoarias - 19 de mayo de 2009 - 22:53

MELCHOR FERNÁNDEZ ALMAGRO

(1893-1966)

“Granada era tu lecho de muerte, Doña Juana,

los cipreses, tus cirios;

la sierra tu retablo.”

Federico García Lorca.

LA VOZ DEL HISTORIADOR PERIODISTA

Federico, su paisano y compañero del grupo literario “La Cuerda” granadina, le retrató diciendo que tenía traza de “moro amigo”. Y a Melchorito le dedicó su bellísima “Elegía a Doña Juana la Loca”. Tras el estreno de Mariana Pineda Fernández Almagro escribió en La Voz:”Los versos de García Lorca tienen mucho de flor y de estrella. Están en su lugar porque sí.” En las cartas de su amigo Federico pueden leerse frases como éstas: “Yo no voy a ser viejo nunca”; “Quiero ser un Poeta por los cuatros costados, amanecido de poesía y muerto de poesía. Empiezo a ver claro. Una alta conciencia de mi obra futura se apodera de mí, y un sentimiento casi dramático de mi responsabilidad me embarga...”. Fernández Almagro fue miembro de la famosa tertulia del que fue no menos famoso Rinconcillo del café Alameda, en la que participaban, entre otros, Lorca, Falla, Fernando de los Ríos, Montesinos, Manuel Ángeles Ortíz, y de la que partió la idea del concurso de cante jondo de Granada celebrado en el verano de 1922.

Melchor Fernández Almagro nace en Granada el 4 de septiembre de 1893. Realiza sus estudios primarios en el Colegio del Patriarca San José y, posteriormente, en el Instituto. Desde muy joven se dedica al periodismo y en la Universidad de Granada estudia Derecho. El autor de Historia política de la España contemporánea marcha a Madrid en 1918, volviendo ya tan sólo a su ciudad natal muy espaciada y apresuradamente. La lejanía estimuló el amor a su Granada como le había, no ha mucho, sucedido a Ganivet. Crítico teatral y literario de periódicos tan conocidos como La Época y El Sol, antes de la rebelión militar del general Franco, y de ABC y La Vanguardia con posterioridad.

La guerra civil transcurre para él entre Burgos y Salamanca incorporado a Prensa y Propaganda. Pero es realmente, a partir de los años de posguerra cuando su figura y su obra alcanzan mayor dimensión. Melchor Fernández Almagro muere en Madrid el 22 de febrero de 1966.

Académico de la Española y de la Historia, autor de libros tan valiosos como Vida y obra de Angel Ganivet, Vida y literatura de Valle-Inclán, Jovellanos, Cánovas. Su vida y su política, Viaje al siglo XX, En torno al 98 y Granada en la literatura romántica española; periodista de alto coturno, prestigioso crítico teatral y literario, Melchor Fernández Almagro ocupó un primer plano en las letras españolas durante cerca de medio siglo. Entre sus obras históricas hay que destacar sobre todo los Orígenes del sistema constitucional de España, ¿Por qué cayó Alfonso XIII? (en colaboración con el Duque de Maura), la Historia política de la España cotemporánea, La emancipación de América y su reflejo en la conciencia española, quizá su libro más logrado sea Cánovas, su vida y su políica (1951), una magnífica reconstrucción histórica de la segunda mitad de sglo XIX. Conforme a un fenómeno, demasiado repetido en nuestro país, un espeso silencio ha caído, a su muerte, sobre su memoria.

En su Viaje al siglo XX, el periodista granadino nos cuenta lo que supuso su encuentro con Madrid, su descubrimiento de la ciudad moderna: “La emoción que Madrid me iba produciendo se resolvería en cantidad. ¡Cuánto de todo! De todo, más mucho más que en Granada. Más gente, más coches y más tiendas en más calles, más plazas y más paseos. Y más grandes, por supuesto, los paseos, las plazas, las calles, las tiendas...”

Las lacras del caciquismo, los vicios del sistema electoral encontraron a un tiempo en Fernández Almagro un implacable denunciador y un concienzudo analista.

Gran parte del éxito y de la peculiaridad de la crítica de Fernández Almagro procede de su gusto de refugiarse y emplearse a fondo en la tarea de historiador, historiador de periodos cercanos, donde su obra de indagación tiene presente en todo momento. Tener siempre ante los ojos a Ganivet, Canovas, Valle-Inclán o a García Lorca, con todas sus circunstancias minuciosamente analizadas, prolonga suavemente las vigencias de todo lo anterior.

Resucitar la memoria de Melchor Fernández Almagro tiene para los españoles de hoy, por encima de las modas el interés de hacer justicia a una figura de relieve que consagró parte de su esfuerzo en hemerotecas y archivos a profundizar en capítulos y hombres decisivos de su historia.

La figura de Fernández Almagro no estuvo exenta de contradicciones y tropiezos. Talante y actitudes políticas no presentaron siempre una clara línea evolutiva. La orientación que preside su libro sobre Alfonso XIII y su reinado (1934) es muy distinta de la visible en la Historia de la II República (1940).

Pero hay un aspecto que destaca sobre cualquier otro en la figura de Fernández Almagro y es el de su humanidad en medio de la vida literaria madrileña. Su fina cortesía le viene de su Granada. La voz del “moro amigo” está llena de una inefable melancolía aristocrática, propia de la capital de un reino con arte y literatura propios, definida por el poeta granadino don Pedro Soto de Rojas con estas palabras: “Paraíso cerrado para muchos, jardines abiertos para pocos”.

Francisco Arias Solis

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Dostoievski por Francisco Arias Solis

franciscoarias - 19 de mayo de 2009 - 09:49

DOSTOIEVSKI

(1821-1881)

“ Sólo temo una cosa: no ser digno de mis sufrimientos.”

Dostoievski.

LA VOZ DE UN NOVELISTA VERDADERAMENTE GENIAL

La novela de Dostoievki es, en principio, el mundo visto por un agujero. Lo que pasa es que este agujero toma proporciones dramáticas de telescopio. El suceso callejero se observa por el escritor, por el poeta, con la misma fantástica aproximación astronómica que los más remotos mundos estelares. Surge así la sorpresa ante el lector de encontrar un lunático mundo subterráneo ante un hecho humano cualquiera. Un crimen vulgar es el asunto de Crimen y castigo, y ya vemos qué enorme complejo de resonancias espirituales lo trascienden hasta ese otro crimen vulgar que es también el asunto del Los hermanos Karamazov.

Fiódor Mijáilovich Dostoievski nace en Moscú el 11 de noviembre de 1821. La temprana muerte de la madre por tuberculosis en 1831, sume al padre en la depresión y el alcoholismo, lo que determina que Fiódor sea enviado a la Escuela de Ingenieros de San Petersburgo. La muerte de su madre, el asesinato de su padre por los siervos de sus posesiones, su propia condena a muerte por implicación, aunque indirecta, en conspiraciones políticas y conmutada la pena, en el momento de la ejecución, el 22 de diciembre de 1849, por la de cuatro años de trabajos forzados en Siberia, conviviendo con gente miserable y en la mayor desesperación, dejan huella y marcan para siempre la vida, las ideas y las obras de Dostoievski. Epiléptico, enfermo de los nervios, falto total de medios económicos, frustrado y engañado en sus amores, sin embargo la inmensa galería de personajes creados por el más universal de los novelistas rusos, nos muestra a éste como panegirista del alma humana.

Su primer amor es María Dmitrievna, viuda de un maestro, con la que se casa en 1857. En San Petersburgo funda con su hermano Mijail la revista Tiempo. En los años 1862 y 1863 realiza diversos viajes por Europa, en el transcurso de los mismos, comienza una relación con Paulina Suslova, una estudiante de ideas avanzadas, que le abandona poco después. Su revista es prohibida y se suceden, en poco tiempo, las muertes de su esposa y de su hermano. Su hermano Mijail deja viuda, cuatro hijos y numerosas deudas a las que Fiódor tienes que hacer frente, hundiéndose en una profunda depresión y en el juego, lo que aumenta sus deudas. Asediado por los acreedores, decidió abandonar Rusia y vivir de las escasas ayudas que le llegaban. Este periodo estuvo presidido por su constante tránsito entre una y otra ciudad (Dresde, Hamburgo, Baden-Baden, Ginebra, Florencia), por la muerte de su hija y por su padecimiento epiléptico. En 1867 se casa con su secretaria Anna Snitkina. Las publicaciones de El idiota (1868), El eterno marido (1869) y Los endemoniados le proporcionaron el dinero suficiente para regresar a Rusia. Con la publicación de El adolescente (1875) y de Los hermanos Karamazov (1879), logró, por un lado, eclipsar la fama narrativa de Tolstoi y Turguéniev, y por otro, conquistar uno de los más altos lugares en la historia de la novela. Dostoievski muere en San Petersburgo el 28 de enero de 1881.Entre sus obras mejores y perennes, además de las citadas, destacan: Pobres gentes (1846), El doble (1846), Noches blancas (1848), Recuerdos de la casa de los muertos (1861), Memorias del subsuelo (1864), Humillados y ofendidos, Crimen y castigo y El jugador (las tres publicadas en 1866).

Veamos, pues, lo que pasa en las novelas de Dostoievski. Si es que pasa algo en ellas, Pues lo que pasa es que no pasa nada, que nunca pasa nada en una novela de este autor, porque en él todo queda; o dicho de otro modo, todo sucede. Se sucede, en el tiempo, de una manera visual, espacial; teatral, en suma: dramática. A Valle-Inclán le sugestionó la novela de Dostoievski por su aspecto de tragedia.

Todo sucede y nada pasa en esta invención novelesca de Dostoievski. Pero ¿por qué? ¿Qué es lo que pasa? ¿Qué es lo que sucede? ¿No es lo mismo? Tal vez no sea lo mismo. No es lo mismo pasar que suceder.

Todo pasa, todo lo que pasa, todo lo que tiene o tuvo que pasar, pasa, para que Ivan Karamazov mate a su padre. Todo ha pasado, exactamente, como tenía que pasar, para que Ivan Karamazov matara a su padre. Y sucede que lo mata el criado. Nada pasaba, no había pasado nada, ni pasó, ni tenía que pasar, para que Raskolnicov matara a la vieja. Y sucede que, efectivamente, la mata. Este suceso o estos sucesos se dramatizan en cada libro de muy diverso modo. Pero coincidiendo en algo fundamental: en vincular su drama a una especie de espantosa quietud del suceso mismo: a la dramática permanencia de su imagen, presente a través de todo el libro, de toda la novela. Lo sucedido no pasará jamás. Está, por decirlo, sucediendo constantemente, aunque invisible a nuestros ojos. Presente, clavado en la memoria; como inmovilizado en ella. Como paralizándola de espanto.

Lo que sí es arte en la novela de Dostoievski, y arte verdaderamente genial, es haber vuelto a dramatizarla, a teatralizarla tan profundamente. Haber deducido de todos los mundos novelescos de la novelería romántica, o moderna, de toda la novelería del XIX, esta esperada y magnífica conclusión.

En las novelas de Dostoievski, la muerte no pasa, se queda: porque todo sucede o se sucede por ella misma; y toda la novela, todas las novelas del mundo, todos estos mundos de novela, engendrados en un suceso de muerte, tienen esta revelación humana del mundo, como novela o aventura de muerte. Así estas novelas se originan por el escándalo de la muerte. Y la muerte en ella es un crimen: la mala muerte. Es el engaño del corazón por la parada de la muerte. Y como dijo nuestro genial poeta Luis Cernuda: “Dostoievski no puede ya decirnos / si inventó a Falalei o lo encontró en la vida, / si inventó la hermosura o supo verla. / Pero el mérito igual en ambos casos”.

Francisco Arias Solis

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