Juan Donoso Cortés por Francisco Arias Solis

 

EN EL BICENTENARIO DE JUAN DONOSO CORTÉS

(1809-1853)

 

“En lo pasado está la historia del futuro”.

Juan Donoso Cortés.

 

 

LA VOZ DE UN ULTRAMONTANO

 

El literato, filósofo,  político y diplomático Juan Donoso Cortés, marqués de Valdegamas, combate el liberalismo planteando un falso problema, o lo que es lo mismo, enfrentando el liberalismo contra el catolicismo que ha hecho sus pruebas. Sus discursos parlamentarios y su acción política, le sitúan como uno de los más inquebrantables defensores del catolicismo. Donoso es también jefe de una escuela neocatólica, que agrupó a escritores y pensadores a lo largo de todo el siglo.

 

Juan Donoso Cortés y Fernández Canedo nació en Valle de la Serena,  Badajoz, el 6 de mayo de 1809 y falleció en París el 3 de mayo de 1853. Estudió derecho en las universidades de Sevilla y Salamanca y ejerció como abogado en Don Benito y Madrid. Fue diputado por Cádiz  en las Cortes de 1837 y desterrado durante la dictadura de Espartero de  1840 hasta 1843. Alejado temporalmente de la Iglesia, vuelve a la misma. De nuevo en España, fue  diputado por Badajoz en cinco legislaturas y director de estudios de la reina Isabel II. En 1846 recibe el título de marqués de Valdegamas, y en 1848 ingresa en la Real Academia Española. Fue embajador en Berlín en 1850 y un año más tarde en París.  Formó en las filas del partido moderado, dentro del cual dirigió una fracción llamada “neocatolicismo”, en sus escritos, de correcta prosa y en sus brillantes discursos propugnó un absolutismo de tipo monárquico-religioso como contenido, pero dotado de forma nuevas. En  1829, con ocasión de la apertura del Colegio de humanidades de Cáceres pronunció un alegato del romanticismo que causó gran polémica. Fue un asiduo colaborador de muchos periódicos, tales como, El Porvenir, El Mensajero, El Heraldo y  El Correo Nacional.

 

Para Donoso la razón por la que Europa está abocada a catástrofes insospechadas se debe a la ceguera de la sociedad y de los gobernantes, que deliberadamente han dejado al margen a Dios, para organizar un mundo en el que se ha eliminado la máxima realidad.

 

Su obra más conocida es el Ensayo sobre el catolicismo, el liberalismo y el socialismo (1851), en la que resume la ideología visceralmente reaccionaria, antiliberal, antisocial y católica a ultranza en que había desembocado tras unos comienzos totalmente opuestos. El mismo contenido, en un tono exaltado y retórico -lo que a veces le lleva curiosamente, a afirmaciones poco ortodoxas-, aparece en sus discursos y conferencias, cartas, colaboraciones periodísticas, etc.

 

Citaremos otras obras: Memoria sobre la monarquía (1832), Discurso sobre la dictadura (1849), Discurso sobre Europa (1850) y Discurso sobre España (1850). En esta última ataca la corrupción social. Considera que la lucha de clases se debe al abandono de la caridad por los ricos y de la paciencia por los pobres. La solución estaría en la reinstauración de estas virtudes. Su ultramontanismo le llevó a  propugnar   la pena de muerte: “ ... la sangre del hombre no puede ser expiatoria del pecado original, que es el pecado de la especie, el pecado humano por excelencia, puede ser y es, sin embargo, expiatoria de ciertos pecados individuales, de donde se sigue no sólo la legitimidad, sino también la necesidad y la conveniencia de la pena de muerte”.

 

Francisco Arias Solis
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Paz, queramos paz.

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Gracias

 

 

 

Eugène Ionesco por Francisco Arias Solis

EN EL CENTENARIO DE EUGÈNE IONESCO

(1909-1994)

 

 

“Si es absolutamente necesario que el arte

 o el teatro sirvan para algo, será para enseñar

 a la gente que hay actividades que no sirven para nada

 y que es indispensable que las haya.”

Eugène Ionesco.

 

LA VOZ DEL CREADOR DELTEATRO DEL ABSURDO

 

Eugène Ionesco, dramaturgo francés de origen rumano, es el creador y el principal representante del teatro del absurdo, junto a Samuel Beckett. Poético es el lenguaje teatral de Ionesco como el de Beckett. Los temas favoritos de Ionesco  son el absurdo de la existencia humana, la angustia ante la muerte y el deseo de comunicación con los demás. Todos ellos están tratados con la ironía y el humor característicos de toda la obra de Ionesco. En 1950 estrenó La cantante calva, obra que revolucionó el panorama teatral y en la que ridiculiza y pulveriza los usos del lenguaje, destruyendo todo sistema de referencias y produciendo una comicidad irresistible no exenta de desasosiego. El teatro de Ionesco ha tenido un gran éxito en toda Europa y ha sido representado frecuentemente en España.

 

Eugène Ionesco nació en Slatina el 26 de noviembre de 1909  y falleció en París el 28 de marzo de 1994. De padre rumano y madre francesa se trasladó a París con un año de edad y  residió en Francia hasta 1922 en que reclamado por su padre volvió a Rumanía, donde estudió rumano y el bachillerato,  y, más tarde,  cursó estudios  en la Universidad de Bucarest, donde también fue profesor, al tiempo que se iniciaba  en la actividad periodística. En 1936 se casa con Rodica Burileanu. En 1938 adquirió la nacionalidad francesa y se traslada definitivamente a Francia, aunque volviera  esporádicamente a su país de origen. Vive con estrecheces los años de la segunda guerra mundial. Consigue un trabajo en los servicios culturales de la legación real de Rumanía en Vichy, llegando a ser agregado cultural. El 22 de enero de 1970 es elegido miembro de la Academia francesa y ese mismo año recibe el Gran Premio Austriaco de la Literatura Europea.  En 1989 firma, junto con otros autores,  una declaración a favor del derecho universal de expresión y a final de ese año es nombrado,  con  Emil Cioran, miembro de honor de la Unión de Escritores de Francia. Ionesco fue miembro del Comité Internacional de Ecrivains pour la Liberté (C.I.E.L.), cuyo objetivo era la defensa y respeto de los derechos humanos y la libertad de los científicos, de los escritores y artistas.

 

Ionesco se inicia para el teatro de modo casual: un manual de conversación franco-inglés, que cae en sus manos, y cuyos axiomas absurdos y lugares comunes le motivan para que realice algo que ya lleva dentro.  También contribuyó el caos de la vida en Europa después de la guerra, sin un horizonte humano coherente.

 

En 1950 Ionesco estrenó La cantante calva, cuyos recursos cómicos están al servicio de una significación. Esta misma línea seguirá en obras como La lección  (1950), para posteriormente ampliar su esfera explicitando las tensiones de incomunicación y vacío Las sillas (1951), Víctimas del deber (1953) y Jacobo o la insumisión (1955).

 

Más tarde Ionesco evoluciona hacia un teatro simbólico, iniciado con Rinoceronte (1958), que se irá cargando progresivamente de contenido filosófico en obras como El peatón del aire (1962), El nuevo inquilino (1962) o El rey se muere (1962), para algunos críticos su mejor obra, donde expone sus obsesiones íntimas. Su teatro posterior tiene un carácter onírico impregnado de simbolismo, como en Machett (1972) o El hombre de las maletas (1975). Es también autor de una obra narrativa iniciada con su Diario (1967-1968, 2 vols.) y continuada con dos colecciones de narraciones para niños: Cuentos 1  y Cuentos 2 (1970); posteriormente realizó diversas incursiones en el campo de la novela: El solitario (1973), adaptada después al teatro, que ofrece elementos autobiográficos también presentes en Antídotos (1977). Y como dijo el creador del teatro del absurdo: “La libertad de la fantasía no es ninguna huida a la irrealidad, es creación y osadía”.

 

Francisco Arias Solis
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Paz y libertad. 

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Foro Libre: Homenaje a Jorge Guillén

 

FORO  LIBRE

ASOCIACION CULTURAL, ARTISTICA Y LITERARIA (Fundada en 1992)

 

Francisco Arias Solís - Presidente ~ Plaza San Severiano, 2 ~ 11007 - CADIZ

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“Que los muertos entierren a sus muertos,

Jamás a la esperanza.”

Jorge Guillén.

 

 

HOMENAJE DE FORO LIBRE A JORGE GUILLÉN

 

El próximo lunes, día 9, a las 20.00 horas, en la cafetería-restaurante El Cantábrico (Avda. Cayetano del Toro, 21 - Cádiz), la Asociación Cultural, Artística y Literaria FORO LIBRE celebrará un encuentro literario sobre la vida y la obra del poeta vallisoletano Jorge Guillén  (1893-1984),   con motivo del 25º aniversario de su muerte.  

 

“Poesía pura es todo lo que permanece en el poema -escribe Jorge Guillén-, después de haber eliminado todo lo que no es poesía. Pura es igual a simple, químicamente”. La simplicidad de esta actitud poética en el complejo mundo moderno parece un descubrimiento. Y esa simplicidad es el valor máximo de su poesía que representa la conciencia poética más clara, exacta y profunda de nuestra lírica  contemporánea

 

Jorge Guillén estudió Filosofía y Letras. En 1924 se doctoró en Madrid con una tesis sobre el Polifemo de Góngora. Fue después catedrático de Literatura española en las universidades de Murcia y Sevilla. En 1938 se exilia, primeramente  a Francia y después a los Estados Unidos, ocupando una cátedra de literatura en el Welesley  College. Fue también profesor visitante en diversos centros universitarios norteamericanos, en Puerto Rico, en México y otros países hispanoamericanos. En 1976, se le concede el premio Cervantes y, un año más tarde, regresa a España, eligiendo la ciudad de Málaga para pasar los últimos años de su vida.

 

Toda la obra de Guillén hasta 1940 está recogida en un volumen, titulado Cántico, que fue creciendo en sucesivas ediciones, 1928, 1936, 1945, la última y definitiva (1950) contiene 334 poemas. Clamor, su siguiente libro, se divide en tres partes. En 1967, se publica su tercer libro, Homenaje. El carácter unitario que siempre advirtió Guillén en estas tres obras, Cántico, Clamor y Homenaje, lo llevó a agruparlas en un volumen, Aire nuestro (1968).

 

“La poesía de Jorge Guillén –nos dijo Alberti-, en aquel perfilado conjunto de su libro (Cántico), aparecía como una de las más personales de España”. Y García Lorca, sobre el riquísimo universo poético de Guillén, escribe: “Cada vez se me adentra más tu poesía limpia, hermosa (eso es). Hermosa, llena de una emoción divina, completamente conocida por intacta”.

 

 

Francisco Arias Solis

 

No hagamos las paces con la guerra, ni tampoco levantemos guerras con la paz.

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William Saroyan por Francisco Arias Solis

WILLIAM SAROYAN

(1908-1981)

 

 

“El amor es lo que importa. El amor es el gran número:

 el uno y el único. Es el tres y el siete, y el nueve, y el once,

 y todos los números en uno, el uno, único y maravilloso.

 Ama a Dios. Ama a tu mujer. Ama a tu hijo. Ama a tu vecino.

 Ama a tu enemigo, el hijo de puta..., ámalo igualmente.

 Dale una oportunidad al pobre diablo..., ámalo.”

William Saroyan.

 

LA VOZ DE LA GRAN COMPRESIÓN POR EL SER HUMANO

 

El nombre del novelista y comediógrafo estadounidense de origen armenio William Saroyan se hace famoso cuando publica el delicioso cuento El temerario joven sobre el trapecio volante (1934), ambientado en los días de la depresión, que alcanzó un éxito internacional,  y estrena su primera obra El tiempo de tu vida (1939); por la que recibe el premio Pulitzer de Teatro (1940), que rechaza, a la que seguirían Mi corazón está en las montañas (1939) y Gente guapa (1941).

 

Sus mejores logros son los cuentos, poemáticos y sugerentes, como Nena querida; ésta es, al menos, la opinión de la crítica. Sus novelas no sólo gozan de una gran calidad artística, sino que traducen una gran compresión y ternura por el ser humano. Sin embargo, al centrar todo su interés en la peripecia interior o en la minuciosa vida cotidiana de los personajes, la crítica, normalmente superficial, no se detiene a calibrar el gran alcance de este autor de novelas realmente valiosas.

 

Saroyan une en sus historias la  misteriosa penumbra de su origen armenio  y el sentido práctico y directo de lo norteamericano, bien ensamblados en una obra acabada y conseguida. Sus historias fueron muy populares durante la época de la Gran Depresión.

 

William Saroyan nació en Fresno, California, el 31 de agosto de 1908 y falleció en la misma ciudad el 18 de mayo de 1981. Hijo de inmigrantes armenios, siendo muy niño perdió a su padre  y tuvo que ponerse pronto a trabajar en diversos oficios para ganarse la vida.  Muchas de sus historias se basaron en sus experiencias infantiles o trataron el desarraigo del inmigrante.

 

Entre la narrativa de Saroyan destacan las novelas  La comedia humana (1943), conmovedor relato de dolor y de júbilo en tiempo de guerra, Las aventuras de Wesley Jackson (1946), El tigre de Tracy (1951), Un tal Rock Wagram (1951), Mamá, te quiero mamá (1957) y  Tú estás loco, papá (1957); la recopilación de cuentos Mi nombre es Aram (1940); y los textos autobiográficos La bicicleta de Beverly Hills (1952) y Obituarios (1979). Y como dijo el escritor estadounidense: “No seas el inferior de ningún hombre, ni de ninguno el superior”.

 

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La guerra es un mal que deshonra al género humano.

 

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Grazia Deledda por Francisco Arias Solis

 

 

GRAZIA DELEDDA

(1871-1936)

 

 

“¿Crees tú acaso que todos los bandoleros son malos?

  Te engañas, hija mía; son hombres que se ven obligados

 a mostrar su valor, nada más que eso. Mi marido solía decir:

 En los tiempos antiguos los hombre iban a la guerra,

 ahora no hay guerras, y los hombres siguen con necesidad

 de luchar; por eso se ejercitan en actos de violencia, rapiñas

 y otros excesos, no por hacer mal, sino para hacer alarde

 sea como sea, de su valor.

 Grazia Deledda.

 

 

LA VOZ DE LA NOBEL ITALIANA

 

Considerada una de las más célebres escritoras italianas de principios del siglo XX, Deledda, novelista de talento,  ha sido la única mujer italiana que ha obtenido el premio Nobel de Literatura (1926), precisamente con novelas vinculadas a las tradiciones rurales y vetustas  de Cerdeña, su isla natal. En Italia hubo tres escritoras cuyos nombres sonaron con elogio en los últimos años del siglo XIX y primeros del XX: Matilde Serao, Ada Negri y Grazia Deledda. La prolífica obra de esta última, aunque alejada de las corrientes literarias predominantes, se suele enmarcar entre el “verismo” del naturalismo italiano y el decadentismo; su narrativa profundizó en los conflictos entre pasión y razón, y se caracterizó por la evocación mística y por un firme compromiso ético.

 

Grazia Cosima Damiana Deledda nació en Nuoro, Cerdeña, el 27 de septiembre de 1871 y falleció en Roma el 15 de agosto de 1936. Hija de una familia acomodada, después de realizar sus estudios básicos tuvo el privilegio de tener un profesor particular y, posteriormente, pudo forjarse una cultura autodidacta. La familia Deledda sufrió múltiples desgracias que son contadas por la escritora italiana en su libro de memorias. En 1888 comienzan sus colaboraciones en  la revista femenina La última moda. En octubre de 1899 conoce en Cagliari a Palmiro Madesani, funcionario del Ministerio de Hacienda, con quien contrae matrimonio un meses más tarde, fijando su residencia en Roma, donde siguió escribiendo sin descanso hasta el final de sus días.

 

Entre la vasta obra de la escritora italiana destacan: En el azul (1890), su primera obra de éxito, Flor de Cerdeña (1892), en la que describe su isla natal, Los caminos del mal (1892), Narraciones sardas (1893), Elías Portolu  (1903) y Cenizas (1904), consideradas sus dos obras más representativas, la segunda de las cuales inspiró una película protagonizada por Eleonora Duse , La hiedra (1912), Cañas al viento (1913), Marianna Sirca (1915),   La madre (1920), La huida a Egipto (1925), El sello del amor (1926), Annalena Bilsini (1927) y El país del viento (1936). Poco después de su muerte fue publicado su libro de memorias Cosima (1937). Y como dijo la escritora italiana: “Luego, de nuevo, paz, sueño, esplendor del cielo, de piedras oscuras, de lejanías marinas...”.

Francisco Arias Solis
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Si quieres la paz, prepárate a vivir en paz con todos los hombres.

 

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Eulogio Florentino Sanz por Francisco Arias Solis

 

 

EULOGIO FLORENTINO SANZ

(1822-1881)

 

«Delante de su cruz tuve mi planta...

Y soñé que en su rótulo leía:

“¡Nunca duerme entre flores quien las canta!”

¡Pobre césped marchito! ¡Quién diría

que el cantor de las flores en tu seno

durmiera tan sin flores algún día!»

Eulogio Florentino Sanz.

 

LA VOZ DEL POETA HEINEANO

 

La poesía de la época de Eulogio Florentino Sanz,  salvo la de figuras como Bécquer y Rosalía de Castro, ha sido menospreciada  por parte de la crítica, sin embargo, la labor de estos predecesores del modernismo y de la lírica contemporánea tiene su importancia, aunque no podamos igualarla con la del parnasianismo y el simbolismo, que rellenan este periodo al otro lado de los Pirineos. Los postrománticos destruyen lo que de cartón y falsedad había en la lírica grandilocuente de sus padres, e inician una poesía cotidiana, ahincada en la realidad inmediata; reelaborando el lenguaje,  simplificándolo con vistas a unos inicios de la poesía; inicios que acabarían en otro engolamiento, el modernista, aunque sea de signo distinto.

 

Eulogio Florentino Sanz Sánchez nació en Arévalo, Ávila, el 11 de marzo de 1822 y falleció en Madrid el 29 de abril de 1881. Huérfano de niño, quedó bajo la tutela de un pariente duro  y sin escrúpulos en el manejo de la hacienda, por lo que prácticamente se crió solo y anduvo con pocos recursos. Estudió leyes en las universidades de Salamanca y Valladolid, y de esta última ciudad se trasladó en 1842 a Madrid,   entregándose a la vida bohemia. Más de una noche durmió al aire libre en los bancos del Prado. De esta situación lo sacó en 1845 la protección de Andrés Borrego que le colocó de redactor en El Español. Frecuentó las tertulias del Parnasillo y del Café del Recreo. Con Julián Romea, como primer actor, estrenó en 1848 en el teatro del Príncipe, su drama Don Francisco de Quevedo, que le dio renombre. Sanz prosiguió su labor periodística en diversos diarios y revistas:  La Patria, La Víbora, La Sátira, El Mundo Nuevo, Semanario Pintoresco, La Ilustración Española, El Nuevo Mundo, Las Novedades, La Iberia, El Observador y  El Museo Universal. En 1854 se estrena su segundo y último  drama  Achaques de la vejez y se le nombró encargado de negocios de la Legación en Berlín, permaneciendo  dos años en la capital alemana, lo que le permitió familiarizarse con la lírica germánica, particularmente con la de Goethe y la de Heine. De este último hizo excelentes traducciones que influyeron en la poesía de Gustavo Adolfo Bécquer y de Rosalía de Castro. En 1855 fue nombrado comendador de la Orden de Carlos III. En 1856 publicó su célebre Epístola a Pedro.

 

En 1856 aparecía la primera traducción española de la Nueva primavera de Heine debida a Agustín R Bonnat, y cosa de un año después la que en verso hizo Eulogio Florentino Sanz escogiendo entre más de una de las obras del poeta alemán. El primer contacto de Bécquer y de Rosalía de Castro  con Heine tiene lugar en 1857, año que Sanz traduce 15  poemas del Intermezzo  heineano, publicados en El Museo Universal bajo el título de Poesías alemanas traducidas de Enrique Heine.

 

En 1858, Sanz  fue elegido  diputado liberal  por Alcázar de San Juan. Al año siguiente rechazó el cargo de embajador en Brasil. En 1863 cesó como diputado. Sanz contrajo matrimonio en Cádiz el 9 de mayo de 1873 con Consuelo Sierra y Cidrón. El orgullo morboso, la mordacidad y la tendencia al desaliento hicieron que Sanz se abandonara estérilmente en los últimos años de su vida, desaprovechando su ingenio y su extraordinarias facultades. “En los últimos años de su vida –nos cuenta Juan Valera- vivió en gran soledad y abandono”. Murió en Madrid en el olvido y en la extrema pobreza, hasta el punto de depender de la caridad de sus amigos. Y como dijo el poeta castellano: “Bien habrá visto a la menguada luna  / que en el santo jardín, rico de flores, / sólo yace tu césped sin ninguna”.

 

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La paz no se reduce a la ausencia de guerras

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Charles Péguy por Francisco Arias Solis

CHARLES PÉGUY

(1873-1914)

 

 

“El modernismo es la actitud de quien

 no cree en lo que cree.”

Charles Péguy. 

 

 

LA VOZ DEL VEHEMENTE NACIONALISTA

 

El poeta y polemista francés Charles Páguy tuvo en su juventud una orientación socialista, distinguiéndose entre los que lucharon por la revisión del proceso Alfred Dreyfus (Oficial de Estado Mayor francés, acusado sin pruebas fehacientes de facilitar información al Estado alemán). En 1900 fundó la revista Cahiers de la Quinzaine, donde se publicarían obras de Romain Rolland  y otros autores de la época y en la que publicó la mayor parte de sus escritos. Posteriormente se inclinó por un cristianismo de corte muy personal, convirtiéndose en opositor acérrimo al grupo de Jaurés y en vehemente nacionalista

 

Charles Péguy nació en Orleans el 7 de enero de 1873 y falleció en Villeroy, Seine-et- Marne, el 5 de septiembre de 1914. Hijo de humildes campesinos, obtiene una beca para estudiar en el Liceo de su ciudad natal, donde recibe una sólida formación humanística. En 1893 ingresa en la Escuela Nacional Superior de París, pero no acaba sus estudios, absorbido por las ideas socialistas. Al estallar la primera guerra mundial se incorpora a su puesto de teniente de Infantería, muriendo en la batalla del Marne.

 

En 1897 publicó un drama en verso, Juana de Arco, personaje al que Péguy se siente muy ligado por ser ambos de Orleans, por su amor a la patria y por su religiosidad. La obra es de difícil representación. Mezcla el verso libre, el versículo y la prosa rítmica. En 1911 apareció su obra Los misterios, dividida en tres partes: Misterio de la caridad de Juana de Arco, Porche del misterio de la Segunda Virtud y Misterio de los Santos Inocentes. Está escrita en versículos; el primero lo consagra al amor y a Juana de Arco con su encarnación; los otros dos a la virtud de la Esperanza. Se encuentra también la influencia de los misterios del teatro medieval. En 1912 publicó también una nueva trilogía: Las tapicerías; la primera parte, también dedicada a Santa Genoveva y a Juana de Arco, en 1913 aparecen las dos siguientes, La tapicería de Nuestra Señora y la de Eva, que se hallan escritas en cuartetos.

 

De su obra en prosa, destacan los ensayos De la ciudad socialista (1897), De Jean Coste (1902),  Nuestra patria (1905), que es un canto al patriotismo, escrito cuando se presentía la invasión alemana, Nuestra juventud (1910),  Victor Marie, conde Hugo (1910) y El dinero (1913). Por último, en 1914, Nota conjunta es un resumen de sus pensamientos religiosos y patrióticos. Y como dijo el escritor francés: “Tan corto es el genio de un hombre rico que ni siquiera puede imaginar la pobreza”.

 

Francisco Arias Solis
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¡Necesitamos vivir en paz!

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Giuseppe Parini por Francisco Arias Solis

 

 

GIUSEPPE PARINI  

(1729-1799)

 

 

“Allí bajo el cielo nacen dos gemelos

El placer y la virtud

Y uno de ellos llevará a la tierra

Un tesoro casi escondido;

El más grande del mundo

La primera juventud.”

Giuseppe Parini.

 

 LA VOZ DE UNA GLORIA DE LA ESCUELA NEOCLÁSICA

 

Con el siglo murió (1799)  un poeta de verdad, Giuseppe Parini, nacido en 1729, que en sus setenta años de vida austera y respetada fue sacerdote, profesor, poeta, y sacó a la literatura italiana de aquel círculo perpetuo de formas almibaradas o harto enfáticas en que se movía y entre las cuales triunfaba y formaba escuela el hoy olvidado Carlos Frugoni. Sintiendo muy profundamente a Dante, a Petrarca, a Ariosto y a los poetas clásicos de la antigüedad, Parini imprimió a sus versos ya la sobriedad vigorosa y digna aprendida en el primero, ya el arte, la armonía de los segundos y de los que unos y otros tuvieron por maestros insuperables. Parini fue una gloria de la escuela neoclásica italiana en que figuraron Alfieri, Monti y Fóscolo.

 

Uno de los fenómenos más representativos de la primera mitad del siglo XVIII en Italia es el llamado Risorgimento, por el que este país logra superar la decadencia cultural iniciada a finales del siglo XVI. Esto es posible gracias a la Arcadia, academia política romana fundada a finales del siglo XVII por Cristina de Suecia, con la intención de contrarrestar la hinchazón barroca, concretamente contra Marino y el marinismo. Los afiliados a la Arcadia oponen la naturalidad y la sencillez, aun cuando estas magníficas palabras queden entendidas inicialmente sólo como inconsistencia bucólica, convencionalismos  y expresiones dulzonas sin apenas vigor. La poesía, que seguía los moldes clásicos va cediendo  al estilo de la Arcadia, y los tópicos bucólicos a un lenguaje cada vez más auténtico. Parini es un compendio de esta corriente y de las ideas de la Ilustración.

 

Giuseppe Parini nació en Bosisio, Lecho,  el 23 de mayo de 1729 y falleció en Milán el 15 de agosto de 1799. Hijo de un modesto comerciante de seda, inició su formación guiado por su párroco, que además era un pariente de su  madre. A condición de seguir los estudios eclesiásticos recibe una herencia de un familiar suyo. En 1751 es ordenado sacerdote, sin  vocación, aunque persevera hasta su muerte. Tres años más tarde fue preceptor del duque de Serbelloni. Interviene en política y en 1768 es nombrado por el conde Firmian poeta oficial del teatro Regio  Ducale de Milán. Un año más tarde fue nombrado director de la Gaceta de Milán y ocupa la cátedra de Bellas Letras en las Escuelas Palatinas. Durante la ocupación francesa,  fue nombrado en 1796 miembro del ayuntamiento de Milán.

 

Sus obras más importantes son el gran poema  Il giorno y sus Odi.  El poema es satírico y está escrito en versos libres, teniendo por asunto la instrucción de un caballero joven a quien el autor enseña, irónicamente, el modo de ocupar el día en los más frívolos quehaceres. Por eso había de constar de cuatro partes: Mattino, Meriggio, Vespro  y Notte, comenzando el día, para aquel señorito, a la hora del mediodía, que es cuando se levanta, y terminando cuando el canto del gallo le cierra a él los ojos y se los abre a tantos otros. Pero en vida del autor sólo se publicaron La mañana (1763) y El mediodía (1765). Póstumamente se publicaron El atardecer y La noche (1801). De monotonía se ha tachado al poema, y es natural que así sea; mas hay en él una ironía finísima y continua, en pomposo estilo, que lo salva, y luego la intención moral y los curiosos datos para el estudio de las costumbres. De 1757 a 1795 escribió unas veinte odas morales, patrióticas, literarias y sentimentales. En las odas vuelve a verse, acaso demasiado, ese propósito moral del autor, como lo revela, desde el título, L’educazione, una de las más conocidas y resplandecen ya la gracia y la ingenuidad antiguas, ya la belleza y novedad de las ideas y de las imágenes, ora el recuerdo de Horacio, hasta el punto que entusiasma a sus adoradores, como ocurre con su oda sáfica Alla musa. Otras obras destacables son: Algunas poesías de Ripano Eupilino (1752), Diálogo sobre la nobleza (1757), Discurso sobre la  poesía y las piezas teatrales, la Iside salvada y Ascanio en Alba, esta última musicada posteriormente por Mozart,  fue representada por primera vez en 1771.  Y como dijo el poeta italiano: “La virtud no se enfrenta /  a los deleites honestos y bellos”.

 

Francisco Arias Solis
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Por esa libertad bella como la vida.

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