Yannis Ritsos por Francisco Arias Solís

 

EN EL CENTENARIO DE YANNIS RITSOS

(1909-1990)

 

“El sueño del niño es la paz.

El sueño de la madre es la paz.

Las palabras del amor bajo los árboles,

es la paz.”

Yannis Ritsos.

 

LA VOZ DEL COMPROMISO ETICO Y SOCIAL

 

La vida y la obra del poeta griego Yannis Ritsos se han dirigido siempre hacia un compromiso ético y social, lo que le llevó a la deportación de su país varias veces. Su lucha por la libertad, difícilmente vivida, le convirtieron en poeta de la fábrica y el campo, del hambre y del pueblo, con ternura y furor, delicadeza y rabia. La realidad del oprimido se acentúa como el ideal de su poesía, bien en la época de la ocupación alemana, bien bajo la dictadura.

 

Yannis Ritsos nació en Nomenvasia, península del Peloponeso, el 1 de mayo de 1909 y falleció en Atenas el 11 de noviembre de 1990. Hijo de una familia de terratenientes, durante su adolescencia sufrió la ruina económica de su familia, debida a la pasión por el juego de su padre, las muertes de su madre y de un hermano mayor, el ingreso del padre en una clínica psiquiátrica y, además, cuando contaba dieciocho años, tuvo que ser ingresado en un hospital aquejado de tuberculosis. Trabajó en diversos oficios, siendo secretario, calígrafo. bibliotecario, bailarín, fotógrafo, actor y pintor. Militante comunista desde 1934, participó en la resistencia durante la segunda guerra mundial; al acabar esta fue confinado en diversas islas hasta 1952 y sus libros prohibidos. En 1967, tras el golpe de Estado de los coroneles, fue deportado nuevamente y torturado, y más tarde puesto en libertad vigilada. Su obra volvió a prohibirse. Ritsos ha traducido, entre otros, a Hikmet, Maiakovski, Blok, Neruda y Nicolás Guillén,

 

Su primer poemario fue Tractores (1934); en 1936 publicó Epitafios, donde acentúa su lirismo y evoluciona hacia un estilo más vanguardista, siempre desde el presupuesto de protesta contra la injusticia. En la misma línea están La canción de mi hermana (1937), convertida en texto de resistencia contra la dictadura de Metaxas, La prueba (1943) y Makromisos (1957). En 1966 aparece su célebre poema Romiosini, traducido y publicado en España con el título de Grecidad, que es un canto la lucha de los guerrilleros comunistas durante la ocupación nazi. A partir de Piedras, repeticiones y barrotes (1972) se advierte un cambio en su producción literaria, volviéndose su poesía extraordinariamente densa tanto en imágenes como en lenguaje: Gestos (1972) y El muro en el espejo (1973). Otras obras de Ritsos son: En nuestra vieja casa (1926), Pirámides (1936), Sonata al claro de luna (1956), Doce poemas para Cavafis (1963), Las raíces del mundo (1970), A escala de libertad (1971), etc. En su obra, que lo sitúa como uno de los más importantes poetas griegos contemporáneos, destacan una serie de poemas relacionados con personajes mitológicos griegos, como el monólogo dramático Orestes (1966). Y como dijo el poeta griego: “La paz son las manos estrechadas de los hombres, / Es el pan caliente en la mesa del mundo, / Es la sonrisa de la madre. / Solamente esto. / Ninguna otra cosa es la paz”.

 

Francisco Arias Solís

 

No disparar donde haya niños. Stop.

En la gloria no necesitamos más ángeles.

 

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Thomas Merton por Francisco Arias Solís

 

THOMAS MERTON

(1915-1968)

 

“Por eso, Padre, te pido que me conserves en este silencio

para que aprenda de él la palabra de tu paz

y la palabra de tu misericordia

y la palabra de tu gentileza

dicha al mundo,

y que a través de mí quizá tu palabra de paz se deje oír

donde durante mucho tiempo no ha sido posible que nadie la oyera.”

Thomas Merton.

 

LA VOZ DEL MONJE TRAPENSE

 

El poeta, pensador norteamericano y maestro espiritual de Ernesto Cardenal, ha creado una poesía que rebasa los límites de la versificación piadosa. Merton, con una fuerte influencia de San Juan de la Cruz, ha intentado escribir un inglés libre de esteticismo doctoral, que llega al hombre sencillo e intenta acercarle a Dios. Está considerado uno de los más grandes escritores espirituales del siglo XX. Destacado militante de los movimientos pacifistas y anti-racistas y con un claro compromiso con los derechos humanos y la justicia social, criticó la política de Estados Unidos, en Vietnan, y el armamento nuclear. Fue un precursor del dialogo católico-marxista. De su encuentro con Thomas Merton, nos cuenta Ernesto Cardenal: “Lo cual me había llenado de gozo doblemente: primero al saber que mi maestro de novicios será Thomas Merton, a quien yo le había leído prácticamente todos sus libros, e incluso traducido; y segundo porque eso yo no lo había sabido antes de pedir mi admisión, y era una garantía de que yo no había escogido ese monasterio buscándolo a él sino a Dios”. Cuando en 1968,Thomas Merton se encontró con el Dalai-Lama, en el Tibet, éste lo calificó como un “buda natural”.

 

Thomas James Merton nació en Prades, Francia, el 31 de enero de 1915. Hijo de padre neozelandés y madre estadounidense, que perdió a temprana edad. Su niñez la pasa en la costa mediterránea francesa y en Inglaterra. Inicia sus estudios en un liceo francés. Una vez en Inglaterra continuó sus estudios en Cambridge. Sus ideas subversivas le hacen emigrar a Estados Unidos, estudiando en la Universidad de Columbia (Nueva York), en la que se doctoró con la tesis “La naturaleza y el arte en Wiliam Blake”. Enseña en las universidades de Columbia y de St. Bonaventure. En 1938 se convierte al catolicismo e ingresa en la Trapa el 10 de diciembre de 1941, residiendo en el monasterio trapense Nuestra Señora de Gethsemaní de Kentucky, desde dicho año hasta su muerte. Fue ordenado sacerdote en 1949, adoptando el nombre de padre Luis. Adquiere la nacionalidad estadounidense en 1950. Soñaba y buscaba la unidad de las religiones y precisamente falleció el 10 de diciembre de 1968, debido a una electrocución, cuando al salir del baño pisó un cable con deficiente aislamiento, accidente sufrido en Bangkok cuando asistía a un Congreso ecuménico de monjes católicos y budistas.

 

Su primera obra, La montaña de los siete círculos (1948), supone una autobiografía de amplia repercusión en el mundo cultural de Estados Unidos, siendo posteriormente traducida a múltiples idiomas. A partir de entonces publica diversas obras de carácter religioso, como Las aguas de Siloé (1949), Semillas de contemplación (1949), Ascenso a la verdad (1951), El signo de Jonás (1953), El hombre nuevo (1954), Ningún hombre es una isla (1956) y La vida silenciosa (1957). En ellas se enfrenta con el problema del hombre de su tiempo. En Fe y violencia (1968), aborda el problema racial. Con posterioridad se produce una aproximación a la religión oriental en sus obras Místicos y Maestros Zen (1967) y El Zen y los pájaros del deseo (1968). Entre sus libros de poesía citaremos Figuras para un Apocalipsis (1947), Las lágrimas de los leones ciegos (1949) y Las islas extranjeras (1957). Y como dijo el monje trapense: “Un hombre veraz no puede permanecer mucho tiempo siendo violento. En el curso de su búsqueda, advertirá que no necesita ser violento, y descubrirá además que, mientras existe en él la menor traza de violencia, fracasará en hallar la verdad que está buscando”.

 

Francisco Arias Solís

 

Paz y Libertad.

 

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Alberto Lista por Francisco Arias Solís

 

ALBERTO LISTA

(1775-1848)

 

“...ven; contigo la paz, la tolerancia,

y la amistad hermosa

embellezcan la tierra ya dichosa.”

Alberto Lista

 

LA VOZ DEL MAESTRO DE POETAS

 

Lista fue algo más que un escritor notable y un pedagogo de positiva influencia: fue también un hombre de acción que desarrolló hasta poco antes de su muerte una actividad incesante, con el propósito de influir en las circunstancias político-social de su tiempo.

 

Alberto Lista y Aragón nació en Sevilla el 15 de octubre de 1775. Sacerdote, en su juventud vivió y escribió en Sevilla, al lado de otros miembros de la llamada “segunda escuela poética” sevillana, de la que puede considerarse el autor más representativo y prestigioso. En 1793 fundó la “Academia de Letras Humanas”, con Manuel María de Arjona y José Felix Reinoso. Como poeta es un notorio representante de los gustos neoclásicos y del culto a los autores españoles del Siglo de Oro, en especial los sevillanos Herrera y Rioja. Su creación literaria está concebida según un lema que él mismo se impuso: “pensar como Rioja, escribir como Calderón”, aunque también hay huellas de otras influencias. Su obra, en la que coexisten los temas religiosos con los amorosos y los asuntos civiles propios del ideal ilustrado fue editada en 1822 y 1837: Poesías de Don Alberto Lista. Escribió también numerosos discursos critico-literarios: Lecciones de literatura española explicadas en el Ateneo de Madrid (1836), Lecciones de literatura dramática española (1839) y Ensayos literarios y críticos (1844). Fue también autor de una comedia, La Rufina, estrenada en 1811.

 

El himno Al sueño de este poeta sevillano figura entre “Las cien mejores poesías líricas de la lengua castellana”, escogidas por Menéndez Pelayo, entre lo mejor de la literatura española.

 

Lista hace su aparición a .la escena literaria y política en la época prerromántica. En la misma época de Cadalso, Meléndez Valdés, de Cienfuegos. Teóricamente, Lista fue más bien un antirromántico. Formó como se sabe, a muchos jóvenes, primero en Sevilla y luego en Madrid y Cádiz, que más tarde brillaron en la política y en las letras entre ellos, Espronceda, Patricio de la Escosura , Ventura de la Vega y Bécquer.

 

Emigra en 1813 a Francia, y después de un corto exilio, debido a sus simpatías por la causa de José I, volvió a España. En 1823 le vemos ya en Madrid, dirigiendo el colegio de San Mateo. Pero el éxito de su sistema de enseñanza suscitó envidias, y el colegio fue cerrado oficialmente.

 

Igual que sirvió activamente a los franceses en 1810, sirvió desde 1828 a Fernando VII como periodista oficial de La Gaceta de Bayona y en 1836 se dejó comprar por el ministro Mendizábal para que apoyase en la prensa su política anticlerical. ¿Cómo es posible, se pregunta su biógrafo Juretschke, que un hombre de espíritu tan voluble, llegara a ejercer una influencia tan importante en la juventud? La frase de Larra, comentando unas conferencias de Lista en el Ateneo, en 1836, parece demostrarlo: “Discípula suya es casi toda la juventud del día”.

 

En 1838, llegado a la cima de su carrera social y literaria –tenía sesenta y tres años-, Lista abandona la Cortes y llega a Cádiz, para dirigir el Colegio de San Felipe Neri. Esta vez la retirada parece sincera y se refugia definitivamente en la enseñanza, primero en Cádiz, luego en Sevilla, hasta su muerte, ocurrida el 5 de octubre de 1848, no sin antes haber sido nombrado –premio a su vuelta al redil- canónigo de la catedral sevillana y profesor de la Universidad hispalense. Y como dijo nuestro poeta en el poema “El triunfo de la tolerancia”: “¡Ay! ¿cuándo brillarás, felice día, / en que estreche el humano / con el humano la amorosa diestra? / ¿cuándo será el momento que destierre / a la olvidada historia / el grito funeral de guerra y gloria?”.

 

Francisco Arias Solis

Paz, queramos paz.

 

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Enrique Gil y Carrasco por Francisco Arias Solís

 

ENRIQUE GIL Y CARRASCO

(1815-1846)

 

“Mañana ¿qué será de tus encantos

de tus bellos matices, pobre flor?

No habrá pesares para ti, ni llantos,

ni más recuerdos que mi triste amor.”

Enrique Gil y Carrasco.

 

LA VOZ DE LA MELANCOLIA

 

La definición del Romanticismo no se absorbe por señalar algunas de sus características significativas. El Romanticismo es algo más que “el liberalismo en la literatura”, como la definió Víctor Hugo. Como también excede el Romanticismo a la difundida opinión que lo asimila a la melancolía y al sentimiento de la nostalgia, pues si eso conviene a una obra como la de Enrique Gil y Carrasco, en absoluto se aproxima a otros autores románticos, basados en un sentimiento de energía, como el Duque de Rivas, Patricio de la Escosura o Quintana.

 

Gil y Carrasco, el poeta de la melancolía, de la sensibilidad lírica, casi enfermiza, es autor de poco más de una treintena de composiciones, que, no obstante, son suficientes para situarle en un lugar no despreciable entre nuestros poetas del romanticismo.

 

Enrique Gil y Carrasco nace en Villafranca del Bierzo, el 15 de julio de 1815. Su padre era el administrador de las fincas de la Marquesa de Villafranca. Los primeros años de Enrique pasan en su ciudad natal, hasta que su padre es sustituido en el cargo, y marcha a Ponferrada. Allí estudió en el Colegio de los Padres Agustinos.

 

En 1829 Enrique Gil ingresa como estudiante en el Seminario de Astorga. Allí permanece hasta 1831. Al año siguiente, acude a la Universidad de Valladolid y se matricula en Leyes.

 

En septiembre de 1836 el poeta se encuentra ya en Madrid, donde frecuenta las reuniones de “El Parnasillo” en compañía de lo más granado de la literatura del momento: Mesonero Romanos, Ventura de la Vega, Bretón de los Herreros y Larra, entre otros muchos.

 

Con la apertura del Liceo (1837) Enrique Gil empieza a ser conocido como poeta. Espronceda, lee públicamente en diciembre de ese año la composición “Una gota de rocío” de Enrique Gil, que inmediatamente se publicará en El Español.

 

Enrique Gil comienza en el año 1838 su colaboración en El Correo Nacional y ese mismo año uno de sus poemas, “La niebla”, es seleccionado para el album de sus composiciones poéticas que El Liceo regala a doña María Cristina de Borbón.

 

Sus colaboraciones y su obra poética no dejan de crecer durante el año 1839, hasta que sintiéndose enfermo emprende viaje a Ponferrada para reparar su salud al lado de su familia. Durante su retiro escribe su primera novela, El lago de Carucedo (1840).

 

De regreso a Madrid, Espronceda le obtiene el puesto de ayudante de la Biblioteca Nacional. Funda con su amigo Miguel de los Santos Alvarez la revista El Pensamiento.

 

La muerte de Espronceda, le hace escribir en 1842 su último poema “A Espronceda”, que leerá ante la tumba del poeta, en el cementerio de San Nicolás. Ya no volverá a componer más obra lírica, pero en ese mismo año redacta El señor de Bembibre, considerada la novela histórica española más importante de la época romántica y que tiene como telón de fondo la disolución de los templarios en España.

 

En 1844 Enrique Gil llega a Berlín para desempeñar su cargo de representante de España en Prusia. La suerte le sonríe, pues el sabio barón Humboldt lee con interés su novela El señor de Bembibre y se convierte en entusiasta de ella. Por su mediación el propio rey de Prusia lee El señor de Bembibre . “En las páginas de este libro nace –decía Azorin-, por primera vez en España, el paisaje en al arte literario”. Y añade: “El Bierzo lo ha pintado Enrique Gil”.

 

Estos éxitos no pueden sin embargo detener el curso de su enfermedad. Afectado por la dureza del invierno, Enrique Gil pide permiso para retirarse a Niza, a descansar en clima más benigno. Prepara el viaje, pero antes de realizarlo recae gravísimamente enfermo y ya no puede levantarse de la cama. Fallece el 22 de febrero de 1846, a los treinta y un años de edad.

 

Su poema “La violeta” figura en las cien poesías líricas escogidas por Menéndez Pelayo entre lo mejor de la literatura española antigua y moderna. A dicho poema pertenecen estos versos: “Irá a cortar la humilde violeta / y la pondría en su seno con dolor, / y llorando dirá: “¡Pobre poeta! / ¡Ya está callada el arpa del amor!”.

 

 

Francisco Arias Solís

 

Será vano el intento de humanizar las guerras. Lo humano es evitarlas.

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Ángel Guimerá por Francisco Arias Solís

 

ÁNGEL GUIMERÁ

(1845-1924)

 

“El Vendrell, voltat de vinyes que el pagès amb el seu art exquisit treballa,

carregades a l'estiu del fruit saborós d'on regala a doll fet

el vi ardentíssim per a encendre la sang de les venes.”

Ángel Guimerá.

 

 

LA VOZ PROFUNDAMENTE HUMANA

 

En realidad y al margen de determinados intentos esporádicos, los inicios teatrales de Cataluña los hallamos a principios del siglo XIX, periodo en el que hace su aparición José Robreño, autor-actor de excepcional dinamismo y síntesis de la más pura vocación teatral.

 

La aparición de Guimerá coincidió con una de las crisis más agudas del teatro catalán. La escena catalana había perdido toda su relación con el público, el cual desertaba de las salas de espectáculos cansado de no hallar contenidas, en el teatro, ninguna de sus aspiraciones, anhelos o inquietudes.

 

En estas circunstancias aparece Guimerá, que viene a dar una inyección de vida a un teatro que moría de decrepitud, de vejez prematura, de inercia. Fue preciso que el ingenio constructivo de Guimerá dotase a la escena catalana de un valor indiscutible de originalidad y de universalidad, para que el teatro catalán recobre su perdido prestigio. Su Gala Placidia, estrenada en el teatro Novedades el día 8 de mayo de 1879, señala los comienzos de un teatro mayor. Poeta de una gran fuerza interna, profundamente humano, Guimerá exalta las pasiones del pueblo y canta el amor como fuente fecunda de vida, por cuya razón su teatro se convierte en un poderoso elemento de reconstrucción y orientación social, cumpliendo, de esta manera, la altísima misión que tiene reservada el teatro.

 

Ángel Guimerá nace en Santa Cruz de Tenerife el 6 de mayo de 1845. Hijo de catalanes residentes en Canarias. De niño se trasladó a Barcelona. Vivió desde entonces entre la capital catalana y la pequeña población tarraconense de El Vendrell. Comienza escribiendo en castellano, sin olvidar la lengua catalana. Al obtener un premio en los juegos florales de Barcelona en 1875 se consagra como escritor catalán. Como poeta fue proclamado “mestre en gai saber” en 1877. Su obra lírica está impregnada de un acento hondo, delicado y de gran poder descriptivo. Con Gala Placidia inicia una época histórica del teatro catalán. Entre otras obras notables de este poeta dramático vigoroso y vibrante, citemos. Judit de Welp (1883), El fill del rei (1186) Mar i cel (1888), María Rosa (1894), Terra baixa (1897), La reina jove (1911), etc. Ninguna de sus obras tuvo, sin embargo, la universal resonancia de Terra baixa, tragedia poética bien construida, traducida a casi todos los idiomas y que sirvió de argumento a la ópera alemana Tiefland, del maestro D’Albert, que también puso música a su drama La filla del mar (1900). Angel Guimerá muere en Barcelona el 18 de julio de 1924.

 

El impulso dado al teatro por Ángel Guimerá era obligado que ejerciera una lógica influencia en los medios literarios de Cataluña. Este fue el motivo por el cual se incorporaron al teatro catalán otros escritores de indudable mérito que, desde ángulos distintos, vitalizaron nuevamente la escena catalana. Entre estos autores deben destacarse los nombres de Alberto Llanas, Emilio Vilanova, José Pin y Soler, etc., los cuales afirmaron la personalidad indiscutible de un teatro esencialmente catalán y profundamente universal. En 1892 estrena por primera vez en un teatro público –el “Calvo-Vico” – Ignacio Iglesias. L’angel de fang obtuvo un gran éxito. Algo más tarde, entra en el campo escénico catalán la obra mordaz e irónica de Santiago Rusiñol, dramaturgo sensible a todas las inquietudes, que cierra el periodo de plenitud del teatro catalán. Un teatro con voces profundamente humanas, en el que destaca Guimerá, a quien por tragedias como Gala Placidia, y especialmente por el drama rural Terra baixa, se considera el gran dramaturgo catalán.

 

Francisco Arias Solís

 

Tolerancia cero contra la corrupción.

 

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Antonio Fernández Grilo por Francisco Arias Solís

 

ANTONIO FERNÁNDEZ GRILO

(1845-1906)

 

“Hay en mi alegre sierra

sobre las lomas,

unas casitas blancas

como palomas.

Le dan dulces esencias

los limoneros,

los verdes naranjales

y los romeros.”

Antonio Fernández Grilo.

 

 

LA VOZ DEL POETA DE LAS ERMITAS

 

La robusta personalidad literaria de Fernández Grilo no ha sido todavía objeto del detenido estudio que, sin embargo, merece. En este sentido podría afirmarse que ha de llegar la hora de que se repare la enorme injusticia que entraña el olvido de su obra.

 

“Ingenio cordobés en toda la extensión de la frase –escribía Francisco P. Blanco-, poeta por temperamento, por educación, por hábito o segunda naturaleza, que remonta el vuelo de su numen a alturas inaccesibles y se somete con docilidad a todos sus caprichos”.

 

Sus composiciones casi siempre retóricas le valieron el sobrenombre de “Castelar de la poesía”. Vicente Aleixandre evoca en el balneario de Mondariz al “poeta cortesano, Grilo, delicia de los salones, cuya mano siempre amable mostraba ya una cierta fatiga, la justamente elegante, de firmar, de “repentizar” sobre la páginas crema de tantos y tantos aristocráticos álbumes”.

 

El poeta de las Ermitas tuvo una aureola de atracción extraordinaria, misteriosa, verdaderamente mágica, en vida, cautivando a las muchedumbres con la recitación de sus poesías –hecha por el autor de un modo tan magistral que sólo Zorrilla le igualó- y consiguiendo a la vez, lo que parecería más difícil, el fervor de los aristócratas, y hasta Isabel II, que le publicó un libro, Ideales, y de Alfonso XII, que sabía de memoria muchas de las estrofas de Grilo.

 

Antonio Fernández Grilo nació en Córdoba en 1845. Fue periodista, dirigiendo en su ciudad natal El Andaluz. Y allí publicó su primer libro Poesías (1869). De Córdoba se trasladó a la Villa y Corte y pensó ganarse la vida, consagrándose al ejercicio de su profesión: el periodismo. Ingresó en la redacción de El Contemporáneo. Después perteneció a las de La Libertad, El Tiempo, El Debate, El Arco Iris... Otro poeta, José Selgas, decía a Grilo, que su libro era algo extemporáneo, un producto mental que estaba en “desuso”.

 

“Se escribe, se imprime y se lee más rápidamente cualquier periódico –escribía Selgas el 10 de julio de 1869-, cosa bien natural si advierte que el carácter distintivo de nuestra época es estar de prisa”.

 

Grilo es un poeta que si no hubiera compuesto más que Las Ermitas de Córdoba, tendría suficiente bagaje para traspasar los umbrales de la inmortalidad. Conocidísima es esta bella composición suya, de estrofas inspiradas y ágiles, henchida de ternura, cuajada de elegantes imágenes, que se adhiere a la memoria en virtud de su espontaneidad y maravillosa sencillez, y no se olvida jamás. En buena lid ha ganado la popularidad de que goza.

 

La vena mística de Grilo fluye copiosa, caudalosa, en otras hermosísimas composiciones: La Virgen de la Fuensanta, María al pie de la Cruz, La muerte de Jesús y El adiós al Convento. Canta también el poeta al amor: ¡Ella es así!, ¡Ha muerto! Canta el dolor humano: El día de difuntos, En el cementerio. Canta a la naturaleza: El águila, La primavera.

 

Transcurrido más de un siglo desde la muerte de Grilo (falleció en Madrid el 9 de julio de 1906, sin tomar posesión del sillón de la Academia de la Lengua, que se le había otorgado meses antes), con más dilatada perspectiva para contemplar su personalidad literaria y su obra poética, podemos decir que Grilo es todavía un poeta actual que ha prestado un indiscutible servicio a la cultura española y a las letras en particular. Y como dijo El poeta de las Ermitas: “¡¡Contemplad tu magnífica grandeza, / alza tu frente, de laurel ceñida, / y verás que has nacido cuando empieza / sobre la tierra a palpitar la vida!!”.

 

Francisco Arias Solís

 

Donde mora la libertad, allí está mi patria.

 

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Gabriel Celaya por Francisco Arias Solís

 

GABRIEL CELAYA

(1911-1991)

 

“Mientras haya en la tierra un solo hombre que cante,

quedará una esperanza para todos nosotros.”

Gabriel Celaya.

 

LAVOZ DE LA PAZ Y LA ESPERANZA

 

Gabriel Celaya es el verso que no cesa. Es una tenaz y larga tentativa de transformar el mundo por la poesía. Su lenguaje es deliberadamente de carácter conversacional. “Lo importante –decía Celaya- no es hablar del pueblo sino hablar con el pueblo”. Y añadía: “Démonos a los demás para ser quienes de verdad somos. Demos, al darnos, la paz y la esperanza”. Celaya asume la conciencia de las gentes anónimas que se hallan a su alrededor y habla por ella con una actitud de solidaridad y esperanzada alegría en el futuro.

 

Gabriel Celaya y Juan de Leceta son dos seudónimos literarios de Rafael Múgica Celaya. El poeta nace en Hernani (Gipuzkoa), el 18 de marzo de 1911. Cursa el bachillerato en San Sebastián y la carrera de Ingeniero Industrial en Madrid. Sus años de permanencia en la Residencia de Estudiantes fueron decisivos para su formación. Allí se encontró con Juan Ramón Jiménez, García Lorca, Emilio Prados, Moreno Villa, Jorge Guillén, Rafael Alberti, Pedro Salinas, Gerardo Diego... Por aquellos años a Celaya le preocupaba la pintura y la literatura. Viaja a Cuba en noviembre de 1967 y participa en el Congreso de la Cultura que tuvo lugar en La Habana en enero de 1968.. En este mismo año viaja a Brasil para tomar parte en el acto de inauguración de momento erigido a García Lorca en la ciudad de San Pablo. Gabriel Celaya muere en Madrid el 18 de junio de 1991, sus cenizas fueron aventadas en Hernani y San Sebastián, según sus deseos.

 

En 1935 y 1936 escribe sus dos primeros libros. Marea del silencio y La soledad cerrada, por este último obtiene el premio del Centenario Bécquer, otorgado por el Lyceum Club Femenino de Madrid. En los años de la inmediata posguerra el poeta, según su propia confesión, “1940-1945. Sigue escribiendo tercamente, pero ya no sabe para qué, pues ha renunciado a publicar en tanto no cambien las circunstancias. Sus mejores amigos están en el exilio, y la poesía camina en una dirección contraria a la que él cree justa”. Es a partir de 1947 cuando Celaya va a comenzar una intensa actividad poética, una de las obras más fecundas –si no la que más- de nuestra poesía contemporánea. En la Colección Norte, de San Sebastián, fundada por él y por Amparitxu Gastón –unidos en la poesía como en la vida- aparecen los libros Movimientos elementales y Tranquilamente hablando, los dos en 1947, el segundo bajo el nombre de Juan Leceta y en el que se adelanta una poética de la sencillez, un verso narrativo, casi prosaico a veces, que canta el goce sensorial, el universo cotidiano de las cosas, su verdad inmediata. En Las cosas como son, breve libro unitario, largo poema, publicado en 1948, en donde una y otra vez se exalta la vida, el hecho de vivir, su suficiencia “-Comprendan, es fácil -me basta la vida-”, su victoria sobre la muerte. El mismo poeta dijo posteriormente de este periodo 1947-1949: “Son los años de alegría, de combate y de fe”. Su estilo directo y la temática vital evolucionó hacia la denuncia social: “Maldigo la poesía concebida como un lujo cultural por los neutrales que lavándose las manos se desentienden y evaden”. Aparecen nuevos libros poéticos: Las cartas boca arriba (1951), Cantos íberos (1955), una de las obras más comprometidas, De claro en claro (1956), premio de la Crítica en 1957, Poesía urgente (1960), Baladas y decires vascos (1965), Campos semánticos (1971), Trilogía vasca (1984) y El mundo abierto (1986). Escribió también novelas como Lázaro calla (1949) y Lo uno y lo otro (1965); ensayos, como Exploración de la poesía (1964), Los espacios de Chillida (1974) y Memorias inmemoriales (1981). Fue traductor de Rilke, Rimbaud y Paul Eluard.

 

En 1963, se le concede en Italia, el Premio Internacional Libera Stampa y en 1968, el Premio Internacional de Poesía Etna-Taormina. En 1986 se le concedió el Premio de las Letras Españolas y en 1987 el Premio Nacional de Literatura.

 

Hay un libro en prosa, escasamente citado, de Gabriel Celaya, un hermosísimo libro, titulado Tentativas que fue impreso en los primeros días de julio de 1936. Volviendo a leer este libro, y teniendo presente toda la obra posterior de Celaya, no hay más remedio que pensar que toda esta inundación de versos, que gritan o que claman, que quieren poner “las cartas boca arriba”, que tratan de producir una agitación moral para el entendimiento del sufrir y el esperar humano, no son sino un intento de salvar el humanismo, la realidad pura del arte, la unamuniana tragedia hambre de inmortalidad.

 

La poesía de Celaya tiene el sortilegio de lo que ha sido creado entre cosas naturales. Esta poesía del pueblo tiene ese sello de lo que debe vivir a la intemperie soportando la lluvia, el sol, la nieve, el viento. Es poesía que debe pasar de mano en mano. Poesía que ha sido golpeada, que no tiene la simetría griega de los rostros perfectos. Tiene cicatrices en su rostro alegre y amargo. Poesía verdadera y sin más. Poesía que es como un grito que permanece en el aire. “Son gritos en el cielo”, nos dice el poeta.

 

La evolución de Celaya hacia la estética del compromiso es muy clara y auténtica. Celaya pasa a la participación , impulsando la corriente de lo que se ha dado en llamar poesía social, poesía al servicio de algo, concebida –en sus propias palabras- como una “herramienta para transformar el mundo”.

 

Francisco Arias Solís

 

Jamás hubo una guerra buena o una paz mala.

 

XIII Festival Poético por la Paz y la Libertad

 

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Foro Libre: Homenaje a Manuel Altolaguirre

 

FORO LIBRE

ASOCIACION CULTURAL, ARTISTICA Y LITERARIA (Fundada en 1992)

 

Francisco Arias Solís - Presidente ~ Plaza San Severiano, 2 ~ 11007 - CADIZ

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“¡Mi vida está enamorada

su prometida es la muerte!”

Manuel Altolaguirre.

 

HOMENAJE DE FORO LIBRE A MANUEL ALTOLAGUIRRE

 

El próximo lunes, día 27 de julio, a las 20.30 horas, en la cafetería-restaurante El Cantábrico (Avda. Cayetano del Toro, 21 - Cádiz), la Asociación Cultural, Artística y Literaria FORO LIBRE celebrará un encuentro literario sobre la vida y la obra del poeta malagueño Manuel Altolaguirre (1905-1959), con motivo del 50º aniversario de su muerte.

 

“Manuel Altolaguirre nos ha dejado -decía Luis Cernuda-, en esa breve obra que escribió, versos y poemas inolvidables que anidan en nuestra memoria, en la que han de perdurar como lo que son: grandes poemas hermosos y vivos, al par de lo mejor que sus contemporáneos escribieron”.

Altolaguirre, poeta malagueño al igual que Emilio Prados, José María Hinojosa y Moreno Villa, pertenece como ellos a la llamada generación del 27, generación que se dio a conocer a través de las revistas poéticas fundadas por Altolaguirre y Prados. En la imprenta Sur, se editó la revista Litoral, universalmente conocida.

 

1926 fue el año de publicación del primer número de Litoral y del primer libro de Altolaguirre que apareció con el título de Las islas invitadas y otros poemas. Al año siguiente salió el segundo con el nombre de Ejemplo y en 1930 el tercero con el de Poesía. Este libro fue al mismo tiempo revista poética. Parte de la revista la siguió publicando en París (fueron un total de cinco números), donde se trasladó ese mismo año, “dispuesto a continuar una maravillosa y única labor, que dificultades económicas por una parte, y el general desinterés de la gente por otra, le impidieron realizar en España”, según nos contó Rafael Alberti.

 

En 1931 se establece en Madrid, donde publica Soledades juntas. Al año siguiente, casado con la poetisa Concha Méndez, que será su inseparable compañera en su labor impresora, publica su nueva revista con el nombre de Héroe.

 

En 1934 marcha a Londres con objeto de estudiar las imprentas. Allí funda una nueva revista 1616 (en recuerdo del año de la muerte de Cervantes y Shakespeare). A su vuelta a España publica dos libros nuevos: La lenta libertad y Las islas invitadas, imprime otra de sus revistas con el sugestivo titulo de Caballo verde para la poesía, que dirige el poeta chileno Pablo Neruda. “Manolito hacía honor a la poesía -decía Neruda-, con la suya y con sus manos de arcángel trabajador”.

 

Durante la guerra civil, la poesía de Altolaguirre, se compone de poemas, en los que domina como idea principal la muerte. De esta época datan sus elegías A Federico García Lorca y Antonio Machado.

 

En 1943, Altolaguirre se establece con su familia en México definitivamente. Allí publica Poemas de las islas invitadas, Nuevos poemas de las islas invitadas, Aires de mi España y Fin de un amor. En 1955, aparece en Málaga su último libro publicado con el nombre de Poemas de América.

En su última época, el cine alejó a Altolaguirre en un principio de su quehacer poético aunque no literario. Dentro de su producción cinematográfica su obra maestra fue la adaptación y dirección de El Cantar de los Cantares, según la versión de fray Luis de León, película que presentó, fuera de concurso, al Festival Cinematográfico de San Sebastián. De regreso a Madrid sufre un accidente de tráfico mortal, y el día 26 de julio de 1959, en un hospital de Burgos, muere Manuel Altolaguirre.

 

 

Francisco Arias Solís

 

No hagamos las paces con la guerra, ni tampoco levantemos guerras con la paz.

 

XIII Festival Poético por la Paz y la Libertad en memoria de Mario Benedetti.

 

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